MUSICA BARROCA

Características de la música

• Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y revolucionarias de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

• Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del Renacimiento, pero las voces de dichas obras no son iguales o similares, sino que se destaca la voz superior reduciéndose la escritura de las demás al llamado bajo continuo; esta textura se llama monodia acompañada.

• El estilo llamado Barroco musical se caracteriza por el género vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de ser sirviente de la poesía- y por un auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza. En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés.

Principales exponentes de la música barroca


Johann Sebastian Bach(1685-1750)

Organista y compositor alemán, Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.^[]Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental,^[] epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal,^[] no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días. ^[]Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los conciertos de Brandeburgo el clave bien temperado, la Misa en si menor, la pasión según san Mateo, El arte de la fuga, la ofrenda musical, las variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las cantatas sacras 80, 140 y 147, el concierto italiano, la obertura francesa, las suites para violonchelo solo, las sonatas y partitas para violín solo, y las Suites orquestales.

El auge de la música instrumental; La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. La música instrumental alcanzó su primera madurez, hay un gran florecimiento en géneros, técnicas, intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos.

Sonata, Cantata, Toccata

La sonata barroca que no debe ser confundida con la sonata clásica de forma sonata denota una composición para uno o dos instrumentos de cuerda o viento y bajo continuo dividida en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da cámara) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). La alternativa contrastante de movimientos sucesivos es herencia de la suite o serie de movimientos de danza, que habitualmente alternaban una danza baja o de paso, más lenta como la pavana con otra alta o de salto, más rápida como la gallarda.

De un modo equivalente a la sonata, la cantata es una composición para canto solista y bajo continuo, cuya estructura habitual es recitativo-aria da capo El equivalente en la música para instrumentos de teclado es la tocatta. El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo el violín, el clavecín y el órgano, se cultivó intensamente la música de camara para grupos instrumentales con acompañamiento de bajo continuo.

En esta época, el clavecín, el órgano, la viola de gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.

Dietrich Buxtehude(1637-1707)

Un compositor y organista germano-danés de música academica europea del barroco. Sus obras para órgano forman parte del repertorio habitual para este instrumento y frecuentemente se interpretan en recitales y misas. Fue uno de los organistas más célebres de la escuela alemana de órgano barroco, durante la mayor parte de su vida fue organista en la Iglesia de Santa María (Marienkirche) de Lübeck. Como compositor produjo una amplia variedad de piezas vocales e instrumentales, y su estilo influyó enormemente a muchos compositores, incluido Johann Sebastian Bach. Hoy en día es considerado el más destacado compositor germano de su tiempo, entre Heinrich Schutz y Bach.

Francois Couperin(1668-1733)

Es uno de los más importantes compositores, junto con Jean Phillipe Rameu de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular. Se le llama Couperin le Grand (Couperin el Grande) para distinguirlo de otros miembros de su familia, también músicos. Es el más destacado de todos ellos, por su inmenso virtuosismo al órgano y al clave.

Gottfried Reiche(1667-1734)

Habia estado tocando trompeta desde muy temprana edad, nacio en la ciudad de Weissenfels, que tenia una larga tradicion de musica de trompetas en su corte. Se fue a Leipzif en 1688, era un musico de gran habilidad, si se puede juzgar por las piezas escritas. Se encuentra entre los mas floridos y creativos.

Antonio Vivaldi(1678-1741)

Compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto el más importante de su época.

Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta. Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8"ll cimento dell' armonia e dell' inventione ", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonia.

Los generos y las formas

En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y géneros vocales. En esta época, los géneros instrumentales alcanzan su madurez y se crean formas instrumentales como la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior. En el ámbito vocal, junto con formas antiguas del motete y la misa, se crean tres importantes géneros que supondrán una época dorada en este campo: La cantata, la ópera y el oratorio, siendo la ópera el género vocal nuevo más importante del Barroco y uno de los de la música académica.

Generos Vocales

LA OPERA: Los géneros musicales recitativo, expresivo y representativo, llevan a nuevas libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones - disonancias y modulaciones. Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacop, cuyo tema fue tomado de las metamorfosis de Ovidio, Euridice de Giulio Caccini y Orfeo de Claudio Monteverdi.

EL MOTETE: es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.

LA CANTATA: La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. Se escribieron también cantatas profanas de cámara, como la muy conocida Cantata del café de Bach.

GENEROS INSTRUMENTALES

LA SONATA: Obra instrumental de cámara escrita para uno o dos instrumentos melódicos (violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo. Derivó de la canzona del Barroco temprano. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach. A mediados del siglo XVIII la palabra designa también obras para tecla, tales como las más de quinientas sonatas para clave de Domenico Scarlatti.

PRELUDIOS,TOCATAS, FANTASIAS Y FUGAS: Por regla general, si hay preludio, detrás va una fuga. Los preludios son piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. Son piezas expresivas, cargadas y con libre interpretación, ya que los trinos y los ornamentos son libres (los crea el propio ejecutante, sin que estén escritos). Las fugas suelen ser a 2, 3, 4 ó 5 voces. Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo, pero el motivo debe de repetirse tres veces (en voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro voces, cuatro veces se verá el motivo...).

LA SUITE: Una suite es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados. La suite habitualmente tenía seis partes:

Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.

Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario y frecuentes hemiolias.

Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.

Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.

Minué: obra parecida a un vals. La suite suele contener dos minués emparejados.

Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B, C, D, etc.).

ESCULTURA BARROCA

Características de la Escultura

• Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se doto de rasgos físicos y movimientos naturales. Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente.
• Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos. Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.
• Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se hizo muy habitual que estas se engarzasen unas con otras formando composiciones muy complejas. Se impuso el gusto por lo teatral y las composiciones se pensaban como autenticas escenografías, es decir, como decorado de una representación teatral.
• Se potenciaron los efectos luminosos. Los pliegues de la ropa y los gestos de las figuras provocan combinaciones de luces y sombras.
• La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los países católicos eran frecuentes las representaciones religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y las escenas mitológicas.

Las grandes escuelas de la escultura barroca y sus representantes


1. La escultura Barroca en España

La temática tratada es casi exclusivamente religiosa y sólo en el ámbito de la corte se realiza la escultura monumental. Los temas mitológicos y profanos están ausentes. También se realizan retablos, donde aparecen figuras exentas y en bajo relieve.

En la escultura del barroco español se utiliza mucho la imagineria, siendo el material más utilizado la madera, siguiendo la tradición hispana. En estas obras se utiliza la técnica del estofado y la policromía. Las figuras son realizadas para iglesias, conventos y para las procesiones de semana santa.

En la escultura barroca española sobresalen dos escuelas principales:

• En la escuela Andaluza extendida, por Sevilla, Granada y Málaga, se huye de la exageración del realismo, que se idealiza, predomina la serenidad y las imagenes bellas y equilibradas con un modelado suave. Se destacan autores como Martinez montañes(1568-1649), Alonso Cano(1601-1667), Pedro de Mena(1628-1688).

• En la escuela Castellana, centrada en Valladolid y Madrid, se presenta una escultura tremendamente realista, cuyas señas de identidad son la talla completa, el dolor y la crueldad con abundancia de sangre, profundo dinamismo, caricaturización de los personajes malvados, intenso modelado y unos rostros con fuerte expresividad. Se destacan autores como Gregorio Fernandez (1576-1636) , Francisco del Rincon(1567-1608) y Francisco Salzillo(1707-1783).

2. La escultura barroca en Italia.

En Italia, la cuna del arte barroco, se destaca el autor Gian Lorenzo Bernini mencionado anteriormente como uno de los mas grandes arquitectos de la epoca barroca, eclipso al resto de artistas y fue considerado el Miguel Angel del siglo XVII.
En Italia también trabajaban Alessandro Algardi, un gran retratista de reyes, papas y aristócratas y burgueses. Utiliza una estética mas clásica. En Napoles trabaja Giulano Finelli: estatuas de los condes de Monterrey, y en la Toscana Pietro Tacca: estatua ecuestre de Felipe IV en Madrid.

3. La escultura barroca en Francia

El barroco francés se reconoce por su carácter cortesano, mitológico y decorativo. Predominan los bustos las estatuas ecuestres, las alegóricas y la escultura funeraria. Tiene cierta tendencia al clasicismo.
Durante el reinado de Luis XIII la escultura se reduce a los retratos casi siempre de carácter funerario. Destacan Simon Guillain y Jacques Sarrazin.

Durante el reinado de Luis XIV la escultura entra a formar parte del arte oficial que exarta a la monarquía absoluta. Versalles sera el centro del arte en Francia. Aquí trabajaran escultores como Francois Girardon, que es el escultor mas significativo, ya que tiene un gusto clásico. Realiza obras como Apolo y las Ninfas, la fuente de las piramides o el sepulcro del cardenal Richelieu, en la cual prescinde de toda integración con la arquitectura a favor del efecto teatral. Pierre Puget es el mas típicamente barroco, por su dramatismo, tensión y la violencia formal de sus obras.

la escultura barroca en otros países

• En Inglaterra se continua con una cierta aversión a la representación iconica típica del anglicanismo. La escultura se reduce a los motivos funerarios en los templos, que se convierten en panteones de personajes ilustres. Se trata de representaciones ostentosas que inmortalizan la fama del <> . Destacan escultores como Nicolas Stone, o los franceses Hubert le seur o Luis-Francois Roubillac.
• En Alemania la escultura barroca encuentra un clima muy apropiado para su desarrollo. Predomina el estilo de Bernini, que llega a sus mas altas cotas. Destacan Andrea Schliuter: retrato ecuestre del gran elector, y Baltazar Permoser.
• En los Países Bajos los temas escultóricos alcanzaron cierta relevancia, muy lejos de la pintura. Encontraron su hueco dentro del retrato, el busto y la decoración de tumbas. En Belgica trabajaron Jeroen Duquesnoy y Hendrik Verbruggen; y en Holanda Hendrik de Keiser y Rombout Verhuls.